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Theatrum Mundi
Theatrum Mundi
18.09.2024 – 27.11.2024
Volker Stelzmann
DIE GALERIE
Ein geniales Wechselspiel aus Tradition und Innovation offenbart sich dem Zuschauer bei der Betrachtung der Werke von Volker Stelzmann. Erneut präsentieren wir die Arbeiten des 1940 in Dresden geborenen Malers, der nicht nur seit geraumer Zeit zu den „tragenden Pfeilern“ des Galerieprogramms gehört, sondern auch zu den bedeutendsten zeitgenössischen Meistern der deutschen Figuration. Unter dem Titel Theatrum Mundi zeigen wir frühe und aktuelle Werke, die das breite Spektrum des Stelzmannschen Bildkosmos widerspiegeln. Seine virtuosen Figurenkompositionen vereinen auf raffinierte Weise zeitgenössische Themen mit veristischen Stilmitteln und einer manieristischen Formensprache, die ihre Wurzeln in den Werken italienischer Renaissancemaler wie Pontormo und Rosso Fiorentino hat. Die Protagonisten in Volker Stelzmanns gemalten Erzählungen agieren wie auf einer Bühne, wobei der Künstler selbst die Regie führt. Mit aufmerksamem Auge beobachtet er sein soziales Umfeld und setzt die Akteure – seien es die „Akrobaten des Alltags“ in den Passagen und U-Bahn-Schächten seiner Berliner Großstadtbilder oder die Artisten seines Varietés – in Szene. Seine Kreationen sind meisterhaft komponiert und wirken wie Momentaufnahmen eines vielschichtigen Dramas, das der Künstler mit einem abschließenden Pinselstrich zu Ende führt. Wenngleich in Stelzmanns „Welttheater“ meist der Mensch – ob als Individuum oder als Gesellschaft – die Hauptrolle einnimmt, hat sich der Künstler im Laufe seiner nunmehr über 50-jährigen Karriere auch anderen Sujets gewidmet. So spielt die Selbstreflexion in Form von Selbstporträts seit jeher eine bedeutende Rolle in seinem OEuvre, ebenso wie Stillleben und biblische Darstellungen, die von seinem profunden kunsthistorischen Verständnis zeugen. Volker Stelzmanns Werke gewähren einen unverfälschten Einblick in eine Menschheit, die stets um ihre kollektive Identität ringt und unablässig nach Antworten auf die existenziellen Fragen des Lebens sucht, ohne sich dabei selbst zu verlieren.
DIE GALERIE
Grüneburgweg 123
60323 Frankfurt am Main
T. +49 69 97 14 71 0
Mo–Fr 9–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
The Female Gaze
the female gaze
06.06.2024 – 11.09.2024
Beate Debus, Sonja Edle von Hoeßle, Monika Linhard, Ann-Christine Woehrl, Rissa, Chunqing Huang, Kim Du Rye, Lita Cabellut, Cathalijn Wouters, Regina Götz, Amy Ernst, Leonor Fini
DIE GALERIE
Mit der Ausstellung The Female Gaze - Der weibliche Blick lädt DIE GALERIE ein, einen Perspektivwechsel zu wagen. Die Gruppenausstellung mit zwölf Künstlerinnen lenkt den Blick des Betrachters auf weibliche Positionen in der Kunst. Der „Female Gaze“ kann als Begriff für eine frauenspezifische Betrachtung sowohl in Bezug auf die Kunstproduktion als auch auf die Repräsentation von Frauen in der Kunst verstanden werden.
Die internationale Werkschau präsentiert Skulpturen von Beate Debus und Sonja Edle von Hoeßle, eine Installation von Monika Linhard, Fotografien von Ann-Christine Woehrl sowie Malereien und Zeichnungen von Rissa, Chunqing Huang, Kim Du Rye, Lita Cabellut, Cathalijn Wouters, Regina Götz, Amy Ernst und Leonor Fini. In der Gegenüberstellung von Künstlerinnen der Galerie mit neuen Gesichtern treffen unterschiedliche Stile, Materialien und Techniken aufeinander; Abstraktion und Figuration begegnen sich und lassen neue, überraschende Synergien entstehen. Auch thematisch vertreten die beteiligten Künstlerinnen eigenständige Positionen: Von der Auseinandersetzung mit der eigenen Identität über die Erforschung des weiblichen Körpers in Malerei und Skulptur, von der Beziehung zu Umwelt und Natur über die Untersuchung ferner Kulturkreise und gesellschaftsrelevanter Frauenthemen bis hin zum individuellen Ausdruck in gestischer Abstraktion richtet jede Künstlerin ihr Augenmerk auf ganz eigene Interessengebiete. Die Fülle an künstlerischen Medien, in denen ihre Kreativität Ausdruck findet, trägt zu einer äußerst differenzierten und facettenreichen Präsentation bei. Die Ausstellung in DIE GALERIE spiegelt den Gestaltungsreichtum und die Bandbreite weiblicher Kunst wider und beweist eines: Ein singulärer „weiblicher Blick“ existiert nicht.
DIE GALERIE
Grüneburgweg 123
60323 Frankfurt am Main
T. +49 69 97 14 71 0
Mo–Fr 9–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
LUCEBERT | 100 Jahre Licht
LUCEBERT | 100 Jahre Licht
29.02.2024 – 29.05.2024
Lucebert
DIE GALERIE
Anlässlich des 100. Geburtstags von Lubertus Jacobus Swaanswijk (1924-1994), besser bekannt als Lucebert, widmet ihm DIE GALERIE eine Jubiläumsausstellung, die das Leben und Werk dieses bedeutenden Künstlers würdigt. Lucebert, ein prominentes Mitglied der niederländischen Künstlergruppe CoBrA, ist für seinen einflussreichen Beitrag vor allem zur abstrahierenden Kunst und Poesie bekannt. Inspiration fand er in Volkskunst, Kinderkunst sowie der primitiven Kunst. Bemerkenswerte Werke der Ausstellung wie Mynheer En Mevrouw (1973) oder Danseuse (1987) bezeugen Luceberts unverwechselbaren Stil und seine künstlerische Vision, die sich durch kontrastreiche Farben, spontane Pinselführung und die Verschmelzung von Einflüssen verschiedener Kunstformen auszeichnet.
Noch bevor er mit Mitte 20 zur Malerei fand, verlieh Lucebert seinem Malaise mithilfe von Wort und Sprache Ausdruck. Eine Kindheit in ärmlichen Verhältnissen, eine abgebrochene Schullaufbahn, die Kriegsgefangenschaft und erneute tiefe Armut in der Nachkriegszeit verarbeitete Lucebert zuerst in der Poesie. Doch schon bald gewann die Bildsprache an Bedeutung und sein durch spontane und revolutionäre Qualitäten geprägtes Werk sollte die niederländische Kunstlandschaft tiefgreifend beeinflussen. Als Mitglied der niederländischen Experimentalgruppe und der späteren CoBrA wurden seine künstlerischen und poetischen Beiträge zu einer wichtigen Stimme innerhalb des literarischen als auch künstlerischen Kanons der Niederlande in den 1950er Jahre.
Wenngleich seine Beteiligung an CoBrA nur kurz und tangential war, so war sie dennoch von grundlegender Bedeutung für ihn als Künstler-Dichter. CoBrA ermutigte ihn einerseits, seinen Sprachgebrauch völlig zu befreien, zugleich verlieh sie auch seiner Malerei, der er intensiv ab den 1950er Jahren nachging, große Freiheit, Spontaneität und Experimentierfreude. Vor allem seine frühen expressiven und experimentellen Arbeiten spiegeln den Einfluss der CoBrA-Bewegung wider. Typisch für sein Werk sind absichtlich unbeholfene Formen von menschlichen Körpern und Fantasiewesen; oft malte er das, was ihm in den Sinn kam, ohne sich an feste Motive zu halten. Der psychologische Aspekt seiner Arbeiten wird besonders in den scheinbaren Dialogen zwischen den Figuren sichtbar; ein beeindruckendes Beispiel gibt hierfür De Kers (Die Kirsche) aus dem Jahr 1978. Die Mythen, die er in seinen expressionistischen Gemälden und in seinen Gedichten schuf, waren in der menschlichen Welt verwurzelt und voller literarischer Anspielungen. Während sich Luceberts Ausdrucksart im Laufe seiner Karriere weiterentwickelte, bewahrte er sich trotz des Experimentierens mit verschiedenen Stilen und Formen eine erkennbare persönliche Handschrift.
Die Vielzahl von Themen mit denen sich Lucebert in seinen Gemälden beschäftigte, spiegeln seine tiefen persönlichen Überzeugungen, seine Erlebnisse als Kind armer Eltern, seine Kriegsgefangenschaft, den gesellschaftlichen Kontext der gebrochenen Nachkriegswelt sowie seinen Wunsch, die Welt zu verändern, wider. Seine Kunst war politisch, sozial und tiefgründig; war er doch ein Zeitzeuge, der die eigene Biografie oft in seiner Lyrik und Malerei aufarbeitete.
DIE GALERIE
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Mo–Fr 9–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
Ernsternsternst – Drei Generationen einer Künstlerfamilie
Ernsternsternst – Drei Generationen einer Künstlerfamilie
25.11.2023 – 21.02.2024
Max Ernst, Jimmy Ernst, Amy Ernst
DIE GALERIE
Max Ernst (1891-1976) ist eine der Leitfiguren der Kunst des 20. Jahrhunderts und fest im Programm von DIE GALERIE verankert. Alle Entwicklungsphasen des Dadaismus und Surrealismus vereinend, hinterließ er ein an Widersprüchen und Sprüngen reiches Œuvre, in das sein Interesse an Psychoanalyse und Kosmologie ebenso Eingang fand wie die Ethnologie oder die Mythen der Menschheit. Sein Talent, Leidenschaft und Kreativität gingen auch in seine Nachfahren über: Jimmy Ernst (1920-1984), Sohn aus erster Ehe, war schon vor seinem Vater in die USA emigriert. Bereits zuvor hatte er das Malen autodidaktisch erlernt, ab den 1940er Jahren etablierte er sich als abstrakter Maler und wichtiges Mitglied der jungen amerikanischen Abstrakten Expressionisten. Mit dem Werk von Jimmy Ernsts Tochter Amy Ernst (*1953) werden die Fäden der Kunstgeschichte in die zeitgenössische Kunst übertragen. Nach einem Studium der Bühnenbildnerei wandte sie sich der Druckgrafik zu und fand ihre unverwechselbare künstlerische Formel in Kompositionen, die Collage- und Frottagetechniken mit fotografischen Methoden vereinen und so hochassoziative Werke zwischen Landschaft und Figur entstehen lassen.
Mit der Ausstellung ERNSTERNSTERNST. DREI GENERATIONEN EINER KÜNSTLERFAMILIE will DIE GALERIE nicht die Abhängigkeit oder den Einfluss Max Ernsts auf seinen engsten Umkreis darstellen, sondern den Fokus auf das Schaffen der einzelnen Künstler in ihrer individuellen Auseinandersetzung mit der eigenen Biografie und Ideenwelt legen.
DIE GALERIE
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Joe Tilson – Milestones
Milestones
20.09.2023 – 17.11.2023
Joe Tilson
DIE GALERIE
Mit der Ausstellung Milestones möchten wir den britischen Künstler Joe Tilson (*1928), einen der Pioniere und Hauptvertreter der British Pop Art, und sein Werk im Jahre seines 95. Geburtstags ehren. Werke aus nahezu allen Schaffensperioden, von den frühen 1950er Jahren bis heute, werden in dieser Schau mit retrospektivem Charakter präsentiert und stellen die wesentlichen Meilensteine eines der Kunst verschriebenen Lebens dar. Gezeigt werden in dieser zweiten Ausstellung des Künstlers in den Räumen von DIE GALERIE Unikate auf Leinwand und Papier, Holzreliefs sowie Grafiken und Multiples aus unterschiedlichen Arbeitszyklen, die von seiner thematischen und gestalterischen Vielseitigkeit zeugen.
Begleitend zu den Werken des britischen Künstlers werden die venezianischen Tapisserien von Joslyn Tilson, selbst Künstlerin und Ehefrau von Joe Tilson, in einer eigenen Kabinettausstellung zu sehen sein.
DIE GALERIE
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Mo–Fr 9–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
Fantastische Tiere
Fantastische Tiere
21.06.2023 – 13.09.2023
Salvador Dalí, José Enguídanos, Amy Ernst, Max Ernst, Johannes Heisig, Torsten Holtz, Horst Janssen, Wifredo Lam, André Masson, Pablo Picasso, Reinhoud d'Haese, Tomi Ungerer, Raymond E. Waydelich, Klaus Zylla
DIE GALERIE
Angeleitet von den großen Meistern der Moderne und des Surrealismus mit Pablo Picasso, Max Ernst, André Masson, Wifredo Lam und Salvador Dalí taucht DIE GALERIE diesen Sommer in die Welt der fantastischen Tiere ein. Durch ihre Auseinandersetzung mit Mythologie, Psychoanalyse und dem Unterbewusstsein haben die Surrealisten in ganz eigener Weise Tiergestalten in ihren Werken dargestellt. Die Gruppenausstellung "Fantastische Tiere" schlägt somit den Bogen vom wegweisenden Surrealismus bis in die Gegenwart zu den zeitgenössischen Künstlern von DIE GALERIE.
Wir erkunden das imaginäre Universum und die Traumwelten des spanischen Malers José Enguídanos, in denen verschiedenste Tiere und Wesen auftauchen und gleich wieder ins Surreale verschwinden. Das Surreale und das Mystische finden sich auch im Œuvre der Künstlerin Amy Ernst, Enkeltochter von Max Ernst, die in ihrer Kunst dekonstruierte Motive aus mit Zeichnungen und Collagen überzogenen Monotypien und Radierungen verbindet. Während Johannes Heisig bewusst ins Unbewusste der Traumwelten hineinleuchtet, verflicht sich bei Torsten Holtz die Realität mit seiner fantastischen Vorstellungskraft zu einer Form des magischen Realismus. Bei Klaus Zylla tummeln sich bizarre, surreale Mischwesen mit zoomorphen Zügen als Darstellungen von seelischen Zuständen und Traumfiguren. In den lustigen, verträumten Werken des Elsässers Raymond E. Waydelich – von den surrealistisch inspirierten Objektkästen bis hin zu den fantastischen Bronzen und wunderbaren Grafiken – gibt es überraschende Welten zu entdecken.
DIE GALERIE
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Mo–Fr 9–18 Uhr
Sa 10–14 Uhr
Synergien
Die Galerie
Synergien
Kim Du Rye & Riccardo Cordero
Bereits zum zweiten Mal präsentiert DIE GALERIE die farbenprächtigen Kompositionen der koreanischen Künstlerin Kim Du Rye, diesmal im Rahmen einer Doppelausstellung mit den Werken des italienischen Bildhauers Riccardo Cordero.
Der in Alba nahe Turin geborene Riccardo Cordero pflegt seit mehreren Jahren eine intensive Beziehung zu den asiatischen Ländern, insbesondere China, wo er bereits mehrfach an öffentlichen Plätzen sowie in Privatsammlungen mit monumentalen Skulpturen vertreten war. Seine jüngste Errungenschaft stellt die gewaltige Plastik aus Cortenstahl New ET dar, mit 17 Metern Höhe die bisher imposanteste seiner Skulpturen, die er für die Olympischen Spiele 2022 in Peking schuf. Kim Du Rye stammt aus einer Künstlerfamilie, hat 1979 ihr Studium an der renommierten Hochschule der Bildenden Künste in Chosun abgeschlossen und seitdem unzählige Einzel- und Gruppenausstellungen in Korea und im Ausland bestritten. In ihrer Malerei vereint sie westliche Farbfeldmalerei mit ihrem Gespür für Harmonie und Ausgleich. Mit ihren – auf ganz unterschiedliche Art und Weise – abstrahierenden Werken bedienen sich beide Künstler einer universellen Sprache. Während Riccardo Cordero durch komplexe geometrische Konstruktionen und dynamische Gebilde mit dem Raum interagiert, spricht Kim Du Rye vor allem durch ihre überbordenden chromatischen Kombinationen den Betrachter an. Durch ihre Arbeiten sind beide Künstler in der Lage, die ihnen ganz eigene Form von Energie zum Ausdruck zu bringen, die in dieser Ausstellung eine perfekte Synthese findet.
Nittardi zu Gast in DIE GALERIE - 40 Jahre Wein & Kunst
Nittardi zu Gast in DIE GALERIE - 40 Jahre Wein & Kunst
06 – 22 Mar 2023
DIE GALERIE, Frankfurt am Main
Marino Marini
DIE GALERIE
Marino Marini
DIE GALERIE freut sich ganz besonders, das Ausstellungsjahr 2022 mit einer außerordentlichen, historischen Werkschau abzurunden. Vom 23. November 2022 bis Mitte Februar 2023 präsentieren wir Marino Marini in einer umfangreichen Ausstellung, die das Hauptaugenmerk auf das skulpturale Werk mit Arbeiten aus den Jahren 1937 bis 1954 lenkt, darüber hinaus aber in einer Auswahl von thematisch passenden Graphiken auch weitere Schaffensbereiche darstellt. Damit sollen die heute wieder besondere Aktualität sowie die Bedeutung dieses Künstlers gewürdigt und einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden.
Das Oeuvre des italienischen Bildhauers Marino Marini (1901-1980) begleitet die entscheidendsten Jahre der Geschichte Europas im 20. Jahrhundert mit einer Bildsprache, die trotz ihrer Treue zum klassischen Kanon ganz eigene Ausdrucksformen für den Wandel findet. Am deutlichsten wird dies in der künstlerischen Entwicklung des Themas, das ihn sein Leben lang fesselte, dem des Reiterbildnisses. Dieser Bildtypus, dessen Wurzeln bis in die etruskische Kunst zurückreichen, war Marini stets präsent, ebenso wie seine Ambivalenz zwischen repräsentativem Machtemblem und Ausdruck einer naturverbundenen Harmonie von Mensch und Tier. Unter dem Einfluss des Faschismus, der Demokratisierung bei gleichzeitigem Ost-West-Konflikt hat sich Marinis Formgebung erkennbar gewandelt, von einem Idealbild hin zur Darstellung einer verzerrten, aus ihren Angeln gehobenen Welt. Hiermit ist Marinis künstlerische Position heute, in einer Zeit der globalen Umbrüche, aktueller denn je.
Dass Marini zu den bedeutendsten Bildhauern des 20 Jahrhunderts zählt, belegt nicht nur seine Ausstellungsvita und die zahlreichen Auszeichnungen, sondern auch seine Präsenz in namhaften, mitunter deutschen Museen (München, Hannover, Hamburg, etc) und an prominenten öffentlichen Plätzen. In Deutschland waren es vor allem seine Beteiligungen an der Documenta in Kassel 1955, 1959 und 1964 und große Einzelausstellungen in Hannover (1951/52, Kestner Gesellschaft), Hamburg (1952 Hamburg Kunstverein), Köln (1954, Galerie der Spiegel), Düsseldorf (1955, Kunstverein) und München (1952 Haus der Kunst und Staatsgemäldesammlungen), die ihn populär machten. Zuletzt hat die Aufstellung der großformatigen Bronze Miracolo – L’idea di un’immagine (2006/07) auf dem verglasten Balkon des Marie-Elisabeth-Lüders-Hauses am Deutschen Bundestag in Berlin ein würdigendes Zeichen für den Künstler gesetzt.
Die Ausstellung wird von einem umfassenden Ausstellungskatalog mit aufschlussreichen Beiträgen führender Experten begleitet. Darüber hinaus wird die Werkschau durch digitale Medien ergänzt, wie etwa einen virtuellen 3D-Rundgang durch die Ausstellungsräume auf der Homepage der Galerie (www.die-galerie.com).